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### Texto Multilínea
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HTMLText_5A029A94_43C6_E574_41AB_A02F43F4D88F.html = Como moverse por el museo
1- Usa el menú desplegable inferior para visitar la exposición
Como moverse por el museo
2- Haz click en las imágenes y textos para más información
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Como moverse por el museo
3- Pulsa el botón izquierdo del ratón y arrastra para desplazarte
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_Luminia, 2023
_Denica Veselinova
_Manifesto Terrícola_Memory
_Soliman López
Manifesto Terricola_:
chr0.MANIFESTO TERRICOLA (T)
Soliman Lopez, 48.84750823732765, 2.4402623979362046
13/03/23
DNA-coded by Javier Forment
chr1.INTRO
We assume hyper-digitalization, the Anthropocene, and the automation of tasks
We accept the artificial intelligence entities and the arrival of humanoids and extraterrestrials (maybe ourselves)
chr2.INTRO
We admit the possibility of eternal life
We welcome the “virreality” proposed by the connection of biotechnology and technological reality layers
chr3.INTRO
We want to feed a global “intelectosphere” and to balance the Hertzian frequencies in between our brains and the Earth
We need to do T art as a meeting point of knowledge for an existent future
chr4.TRANS
We are in a period of transition from the biological separation of human needs as species and the biotechnological alteration of bodies
We accept the importance of nature as a crucial form of pure knowledge
chr5.TRANS
We agree with the possibility of abandoning this planet physically and metaphorically
We apply intellect to understand the process to raise a human-machine-earth consciousness
Decorative art is not in the transition to being a T artist
chr6.TRANS
Art must be trans-species, transhuman and transcriptive to be in balance with Earth frequencies and our universal neighbors
T art has to assume the condition of hybridization, from sexual, racial, or cultural aspects to biological, intellectual, and sensory
chr7.SCI/FAITH1
Science, thanks to its great ally, technology, emerges victorious in front of faith
We promote updated and emancipatory iconographies of the collective imaginary and the factual powers
We need to live a scientific truth rather than an ideological metaphor
chr8.SCI/FAITH2
T art helps us to understand the complexity of the macro scales through the understanding of the micro ones
We create art that celebrates and promotes evidence-based research, reason, and human curiosity, rather than unfounded dogmas and beliefs
chr9.SCI/FAITH3
We believe in an art moving away from egocentrism to avoid individual histories in a world of fake news
We connect collective intelligence to artificial one to avoid stupid intelligence
A T creates his own collective decentralized deities thanks to pure knowledge and logic
chr10.ECOS1
The first eco-nomies are those obtained from natural systems, or what we call agriculture
A T artist doesn’t believe in the ecos created for self-interest purposes
We believe the true power lies in understanding the environment (physical, digital, or hybrid)
chr11.ECOS2
We deny the connection between eco-logy and eco-nomy
T art responds to the conceptual interstices that stem from the confluence of economics, ecology, social ecosystems, eco-feminism, eco-anxiety, and eco-dependency
chr12.ECOS3
To be in harmony with the ecos is to be in frequency with the Earth
T art must be accepted as an eco in and of itself, bringing together all the available ecos- in our intellectual construction
T art is not affected by the centralized corporative eco-nomies
chr13.HUMANS1
We no longer inhabit the promised land, but we promise ourselves a better land
We have to be in the current intellectual climate to be T artists
A T artist vibrates in resonance with its Earth and the other ones to come
chr14.HUMANS2
Art provokes a global hyperconnection, a previsualization of the invisible, and a re-signification of the human, its challenges, questions, and answers
T art activates a new layer of thought in us since the machine takes care of the rest, to improve our consciousness
chr15.HUMANS3
As T and conceptual artists, we use technology, biology, astronomy, and any other sciences as the basic pigment for the construction of a new model of humanity
As T artists hear the frequencies of our environment to be compromised with the current human challenges
_Imágenes Afortunadas
_Imágenes Afortunadas
_Prompt Portrait
_Clara Boj y Diego Díaz
_Manifesto Terricola_Memory
_A la hora en qué nos fuimos
_Aissa Santiso
_Mujer por defecto
_Femias Colectiva
_Luminia, 2023
_Denica Veselinova
_Manifesto Terrícola_Memory
_Soliman López
Manifesto Terricola_:
chr0.MANIFESTO TERRICOLA (T)
Soliman Lopez, 48.84750823732765, 2.4402623979362046
13/03/23
DNA-coded by Javier Forment
chr1.INTRO
We assume hyper-digitalization, the Anthropocene, and the automation of tasks
We accept the artificial intelligence entities and the arrival of humanoids and extraterrestrials (maybe ourselves)
chr2.INTRO
We admit the possibility of eternal life
We welcome the “virreality” proposed by the connection of biotechnology and technological reality layers
chr3.INTRO
We want to feed a global “intelectosphere” and to balance the Hertzian frequencies in between our brains and the Earth
We need to do T art as a meeting point of knowledge for an existent future
chr4.TRANS
We are in a period of transition from the biological separation of human needs as species and the biotechnological alteration of bodies
We accept the importance of nature as a crucial form of pure knowledge
chr5.TRANS
We agree with the possibility of abandoning this planet physically and metaphorically
We apply intellect to understand the process to raise a human-machine-earth consciousness
Decorative art is not in the transition to being a T artist
chr6.TRANS
Art must be trans-species, transhuman and transcriptive to be in balance with Earth frequencies and our universal neighbors
T art has to assume the condition of hybridization, from sexual, racial, or cultural aspects to biological, intellectual, and sensory
chr7.SCI/FAITH1
Science, thanks to its great ally, technology, emerges victorious in front of faith
We promote updated and emancipatory iconographies of the collective imaginary and the factual powers
We need to live a scientific truth rather than an ideological metaphor
chr8.SCI/FAITH2
T art helps us to understand the complexity of the macro scales through the understanding of the micro ones
We create art that celebrates and promotes evidence-based research, reason, and human curiosity, rather than unfounded dogmas and beliefs
chr9.SCI/FAITH3
We believe in an art moving away from egocentrism to avoid individual histories in a world of fake news
We connect collective intelligence to artificial one to avoid stupid intelligence
A T creates his own collective decentralized deities thanks to pure knowledge and logic
chr10.ECOS1
The first eco-nomies are those obtained from natural systems, or what we call agriculture
A T artist doesn’t believe in the ecos created for self-interest purposes
We believe the true power lies in understanding the environment (physical, digital, or hybrid)
chr11.ECOS2
We deny the connection between eco-logy and eco-nomy
T art responds to the conceptual interstices that stem from the confluence of economics, ecology, social ecosystems, eco-feminism, eco-anxiety, and eco-dependency
chr12.ECOS3
To be in harmony with the ecos is to be in frequency with the Earth
T art must be accepted as an eco in and of itself, bringing together all the available ecos- in our intellectual construction
T art is not affected by the centralized corporative eco-nomies
chr13.HUMANS1
We no longer inhabit the promised land, but we promise ourselves a better land
We have to be in the current intellectual climate to be T artists
A T artist vibrates in resonance with its Earth and the other ones to come
chr14.HUMANS2
Art provokes a global hyperconnection, a previsualization of the invisible, and a re-signification of the human, its challenges, questions, and answers
T art activates a new layer of thought in us since the machine takes care of the rest, to improve our consciousness
chr15.HUMANS3
As T and conceptual artists, we use technology, biology, astronomy, and any other sciences as the basic pigment for the construction of a new model of humanity
As T artists hear the frequencies of our environment to be compromised with the current human challenges
_Manifesto Terricola_Memory
_A la hora en qué nos fuimos
_Aissa Santiso
_Mujer por defecto
_Femias Colectiva
_Imágenes Afortunadas
_Ana Esteve Reig
_Prompt Portrait
_Clara Boj y Diego Díaz
Este video recoge los conceptos esenciales del proyecto artístico Manifesto Terrícola, una obra-manifiesto que propone una reflexión profunda sobre la identidad humana y nuestra relación con la Tierra, desde una perspectiva posthumana, ecológica y simbiótica.
A través de la escritura y codificación del Manifiesto Terricola moléculas de ADN sintético, la pieza trasciende lo simbólico para convertirse en un archivo biológico universal, capaz de integrarse en el tejido vivo del planeta. El manifiesto fue posteriormente almacenado en una cápsula de hielo en el Ártico, convirtiéndose así en un acto de preservación artística y científica.
El video presenta los elementos clave del proyecto:
— El proceso de escritura y codificación del manifiesto.
— Las colaboraciones científicas y biotecnológicas que lo hicieron posible.
— Las esculturas y visualizaciones derivadas del ADN.
— La dimensión ética, política y estética del acto de archivar el pensamiento humano en la biología misma.
Manifesto Terrícola es una llamada a repensar el papel del arte como catalizador de nuevos lenguajes, nuevos contratos con lo natural, y nuevas formas de cuidar lo que somos como especie y como planeta.
Este documento audiovisual resume la potencia conceptual y material del proyecto, así como su capacidad de generar un nuevo vínculo entre arte, ciencia y consciencia ecológica.
BIOGRAFÍA
Solimán López (Burgos, España, 1981) es un artista conceptual pionero en la intersección entre arte, ciencia, tecnología y ecología.
Su obra se caracteriza por una constante reflexión sobre la identidad, la memoria, la sostenibilidad y el papel del ser humano en un mundo interconectado, digitalizado y postnatural.
Su práctica artística se manifiesta en proyectos que combinan medios digitales, biotecnología, inteligencia artificial, datos, cuerpos, ADN y blockchain, en busca de nuevas narrativas que conecten lo vivo con lo simbólico.
Su obra ha sido mostrada internacionalmente en bienales, festivales, museos, galerias y eventos académicos.
Este video recoge los conceptos esenciales del proyecto artístico Manifesto Terrícola, una obra-manifiesto que propone una reflexión profunda sobre la identidad humana y nuestra relación con la Tierra, desde una perspectiva posthumana, ecológica y simbiótica.
A través de la escritura y codificación del Manifiesto Terricola moléculas de ADN sintético, la pieza trasciende lo simbólico para convertirse en un archivo biológico universal, capaz de integrarse en el tejido vivo del planeta. El manifiesto fue posteriormente almacenado en una cápsula de hielo en el Ártico, convirtiéndose así en un acto de preservación artística y científica.
El video presenta los elementos clave del proyecto:
— El proceso de escritura y codificación del manifiesto.
— Las colaboraciones científicas y biotecnológicas que lo hicieron posible.
— Las esculturas y visualizaciones derivadas del ADN.
— La dimensión ética, política y estética del acto de archivar el pensamiento humano en la biología misma.
Manifesto Terrícola es una llamada a repensar el papel del arte como catalizador de nuevos lenguajes, nuevos contratos con lo natural, y nuevas formas de cuidar lo que somos como especie y como planeta.
Este documento audiovisual resume la potencia conceptual y material del proyecto, así como su capacidad de generar un nuevo vínculo entre arte, ciencia y consciencia ecológica.
BIOGRAFÍA
Solimán López (Burgos, España, 1981) es un artista conceptual pionero en la intersección entre arte, ciencia, tecnología y ecología.
Su obra se caracteriza por una constante reflexión sobre la identidad, la memoria, la sostenibilidad y el papel del ser humano en un mundo interconectado, digitalizado y postnatural.
Su práctica artística se manifiesta en proyectos que combinan medios digitales, biotecnología, inteligencia artificial, datos, cuerpos, ADN y blockchain, en busca de nuevas narrativas que conecten lo vivo con lo simbólico.
Su obra ha sido mostrada internacionalmente en bienales, festivales, museos, galerias y eventos académicos.
A la hora en que nos fuimos, es un proyecto que busca dialogar sobre mecanismos de desanclaje producidos por las consecuencias de la Modernidad (Giddens 1999), en concreto, de los desarraigos migratorios inducidos y acelerados a consecuencia de la globalización como estrategia geopolítica que coloca fronteras invisibles entre cuerpos marcados por la geografía, cuerpos a su vez controlados por tecnopolíticas de la vigilancia.
La serie consiste en un ensayo postfotográfico de 13 retratos de 65x65cm de personas cercanas a inmigrantes modificados previamente con AI, a modo de registrar y compartir sus historias.
La serie consta de cinco procesos cruciales que condicionan tanto su realización visual como conceptual: toma de contacto individual que es necesaria para entablar conexiones éticas de confianza, generación y selección del rostro, construcción poética del retrato, y por último la divulgación voluntaria de los testimonios ligados a la experiencia migratoria.
Las historias devienen de personas provenientes de Venezuela, Suiza, Cuba, Estados Unidos, México y Argentina.
BIOGRAFÍA
Doctoranda en la línea de investigación de producción artística del Programa de Doctorado en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid (UCM), graduada en Bellas Artes y Máster Universitario en Investigación en Arte y Creación por la UCM.
Su línea de investigación se centra en estudios sobre postmedia y tecnologías emergentes disruptivas: blockchain, Web3 y NFT.
Como artista visual, ha trabajado videoinstalación, new media, NFT y fotografía. Su obra ha sido expuesta en eventos como las Bienales de la Habana XI (2012) y XII (2015); NFT.NYC, Nueva York (2024 y 2023); Casa de América, Madrid (2021-2018); The Approach, Centro Cultural Español Miami, Art Basel Miami (2016).
A la hora en que nos fuimos, es un proyecto que busca dialogar sobre mecanismos de desanclaje producidos por las consecuencias de la Modernidad (Giddens 1999), en concreto, de los desarraigos migratorios inducidos y acelerados a consecuencia de la globalización como estrategia geopolítica que coloca fronteras invisibles entre cuerpos marcados por la geografía, cuerpos a su vez controlados por tecnopolíticas de la vigilancia.
La serie consiste en un ensayo postfotográfico de 13 retratos de 65x65cm de personas cercanas a inmigrantes modificados previamente con AI, a modo de registrar y compartir sus historias.
La serie consta de cinco procesos cruciales que condicionan tanto su realización visual como conceptual: toma de contacto individual que es necesaria para entablar conexiones éticas de confianza, generación y selección del rostro, construcción poética del retrato, y por último la divulgación voluntaria de los testimonios ligados a la experiencia migratoria.
Las historias devienen de personas provenientes de Venezuela, Suiza, Cuba, Estados Unidos, México y Argentina.
BIOGRAFÍA
Doctoranda en la línea de investigación de producción artística del Programa de Doctorado en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid (UCM), graduada en Bellas Artes y Máster Universitario en Investigación en Arte y Creación por la UCM.
Su línea de investigación se centra en estudios sobre postmedia y tecnologías emergentes disruptivas: blockchain, Web3 y NFT.
Como artista visual, ha trabajado videoinstalación, new media, NFT y fotografía. Su obra ha sido expuesta en eventos como las Bienales de la Habana XI (2012) y XII (2015); NFT.NYC, Nueva York (2024 y 2023); Casa de América, Madrid (2021-2018); The Approach, Centro Cultural Español Miami, Art Basel Miami (2016).
“Espejismos” es una instalación compuesta por tres vídeos en bucle que invitan al espectador a sumergirse en un viaje por el espacio latente generado durante el proceso de aprendizaje de una inteligencia artificial.
Rostros humanos aparecen y se deshacen; paisajes laten, tiemblan y se erosionan. Cada video habita un territorio distinto: miradas que se diluyen junto a desiertos que avanzan y sequías que evocan la desertificación del planeta; ciudades que fluctúan y se desmoronan, reflejo de un urbanismo en permanente tensión que expone la fragilidad de nuestra forma de habitar; e inundaciones en las que el agua desborda y arrasa con toda forma establecida, transformando los rostros en un espejo líquido que devuelve nuestra vulnerabilidad. El resultado es un flujo de imágenes en constante transformación.
La disposición en tríptico construye una dialéctica visual que articula los extremos de la crisis ambiental: la aridez y el desbordamiento, la falta y el exceso, con lo humano como frágil mediación. Los rostros, que emergen y se hibridan en este tránsito, señalan la dimensión humana de estas transformaciones: identidades que se reconfiguran entre la catástrofe ecológica y el avance tecnológico.
La obra no ofrece imágenes documentales, sino proyecciones nacidas de una memoria artificial: simulacros que se transforman sin cesar, como recuerdos colectivos que nunca existieron. Este flujo inestable pone en evidencia la fragilidad de nuestras certezas en un presente marcado por el cambio climático y la expansión de la inteligencia artificial.
El título, “Espejismos”, revela la condición de estas imágenes: visiones que parecen sólidas, pero que se disuelven al intentar fijarlas. Como en el horizonte del desierto o en el reflejo del agua, lo que aparece nunca es del todo real, pero tampoco es pura ilusión. Más que una representación de futuros posibles, la obra es una meditación sobre el presente: un espejo distorsionado que nos devuelve la imagen de un planeta en transformación y la pregunta abierta sobre qué significa ser humanos en medio de esta inestabilidad.
BIOGRAFÍA
Pilar Rosado es artista, profesora agregada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona e investigadora del programa de excelencia Serra Húnter de la Generalitat de Catalunya. Licenciada en Biología, máster en Creación Artística y doctora en Bellas Artes, ha publicado diversos ensayos sobre la aplicación de modelos de visión por computador al análisis de grandes colecciones de imágenes de arte abstracto.
En su práctica artística, explora cuestiones que se articulan a través de la imagen, empleando tecnologías como el aprendizaje automático para investigar la gestión de la información en los archivos visuales del futuro, la revisión de la memoria colectiva o la creatividad artificial. Su trabajo ofrece perspectivas alternativas al introducir una mirada no humana sobre el arte, desestabilizando los marcos tradicionales de interpretación y proponiendo nuevas epistemologías visuales.
Los resultados de sus investigaciones se han publicado en revistas indexadas de prestigio y ha participado en congresos de ámbito nacional e internacional.
En 2020 recibió el Premio ARCO-BEEP de Arte Electrónico. Su obra ha sido expuesta en Instituciones como el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), Fundación Telefónica Madrid, Rencontres d’Arles, Etopia Centro de Arte y Tecnología de Zaragoza, Museo San Telmo de Donostia, entre otras.
INSTAGRAM: @Pilarrosado_art
X: @pilarrosad
Web: www.pilarrosado.eu
“Espejismos” es una instalación compuesta por tres vídeos en bucle que invitan al espectador a sumergirse en un viaje por el espacio latente generado durante el proceso de aprendizaje de una inteligencia artificial.
Rostros humanos aparecen y se deshacen; paisajes laten, tiemblan y se erosionan. Cada video habita un territorio distinto: miradas que se diluyen junto a desiertos que avanzan y sequías que evocan la desertificación del planeta; ciudades que fluctúan y se desmoronan, reflejo de un urbanismo en permanente tensión que expone la fragilidad de nuestra forma de habitar; e inundaciones en las que el agua desborda y arrasa con toda forma establecida, transformando los rostros en un espejo líquido que devuelve nuestra vulnerabilidad. El resultado es un flujo de imágenes en constante transformación.
La disposición en tríptico construye una dialéctica visual que articula los extremos de la crisis ambiental: la aridez y el desbordamiento, la falta y el exceso, con lo humano como frágil mediación. Los rostros, que emergen y se hibridan en este tránsito, señalan la dimensión humana de estas transformaciones: identidades que se reconfiguran entre la catástrofe ecológica y el avance tecnológico.
La obra no ofrece imágenes documentales, sino proyecciones nacidas de una memoria artificial: simulacros que se transforman sin cesar, como recuerdos colectivos que nunca existieron. Este flujo inestable pone en evidencia la fragilidad de nuestras certezas en un presente marcado por el cambio climático y la expansión de la inteligencia artificial.
El título, “Espejismos”, revela la condición de estas imágenes: visiones que parecen sólidas, pero que se disuelven al intentar fijarlas. Como en el horizonte del desierto o en el reflejo del agua, lo que aparece nunca es del todo real, pero tampoco es pura ilusión. Más que una representación de futuros posibles, la obra es una meditación sobre el presente: un espejo distorsionado que nos devuelve la imagen de un planeta en transformación y la pregunta abierta sobre qué significa ser humanos en medio de esta inestabilidad.
BIOGRAFÍA
Pilar Rosado es artista, profesora agregada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona e investigadora del programa de excelencia Serra Húnter de la Generalitat de Catalunya. Licenciada en Biología, máster en Creación Artística y doctora en Bellas Artes, ha publicado diversos ensayos sobre la aplicación de modelos de visión por computador al análisis de grandes colecciones de imágenes de arte abstracto.
En su práctica artística, explora cuestiones que se articulan a través de la imagen, empleando tecnologías como el aprendizaje automático para investigar la gestión de la información en los archivos visuales del futuro, la revisión de la memoria colectiva o la creatividad artificial. Su trabajo ofrece perspectivas alternativas al introducir una mirada no humana sobre el arte, desestabilizando los marcos tradicionales de interpretación y proponiendo nuevas epistemologías visuales.
Los resultados de sus investigaciones se han publicado en revistas indexadas de prestigio y ha participado en congresos de ámbito nacional e internacional.
En 2020 recibió el Premio ARCO-BEEP de Arte Electrónico. Su obra ha sido expuesta en Instituciones como el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), Fundación Telefónica Madrid, Rencontres d’Arles, Etopia Centro de Arte y Tecnología de Zaragoza, Museo San Telmo de Donostia, entre otras.
INSTAGRAM: @Pilarrosado_art
X: @pilarrosad
Web: www.pilarrosado.eu
«Imágenes afortunadas» es un video creado con inteligencia artificial que explora nuestro anhelo por los símbolos visuales de la suerte, como las estrellas fugaces, los arcoíris y el escurridizo destello verde.
A través de imágenes generadas por IA y una voz en off reflexiva, la película difumina las líneas entre la realidad y la simulación, invitando a los espectadores a considerar si las visiones digitales pueden tener el mismo poder emocional y simbólico que las reales.
Actuando como guía y creadora, la IA se convierte en una fuerza mágica, visualizando momentos que a menudo perseguimos con la esperanza de una transformación. ¿Se puede conjurar la suerte a través de imágenes? Lucky Images invita al espectador a decidir.
BIOGRAFÍA
Vive y trabaja en Madrid, España.
Videoartista, cineasta y profesora adjunta de Videoarte en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nebrija, Madrid, desde 2017 hasta la actualidad.
Representada por la Galería Luis Adelantado Valencia.
Ana Esteve Reig (Agres, España, 1986) estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. En 2008 se trasladó a Kassel, Alemania, donde estudió Freie Kunst en la Kunsthochschule Kassel, completando un año de posgrado como Meisterschülerin bajo la tutela del artista y profesor Bjørn Melhus. Desde entonces, se ha centrado en el vídeo como su principal medio artístico. Actualmente vive y trabaja en Madrid, España.
Su trabajo ha sido reconocido con la Beca Multiverso de Creación de Vídeoarte del BBVA y ha recibido el apoyo del Ministerio de Cultura y Deporte y de la Comunidad de Madrid. Fue finalista del Premio BMW 2023 y recientemente ha realizado una exposición individual en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Su obra ha sido expuesta en importantes instituciones como el IVAM Alcoi, el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) y el Espai d'Art Contemporani de Castelló (EACC), entre otras. También forma parte de importantes colecciones como las del Museo Reina Sofía, IVAM y el CA2M.
«Imágenes afortunadas» es un video creado con inteligencia artificial que explora nuestro anhelo por los símbolos visuales de la suerte, como las estrellas fugaces, los arcoíris y el escurridizo destello verde.
A través de imágenes generadas por IA y una voz en off reflexiva, la película difumina las líneas entre la realidad y la simulación, invitando a los espectadores a considerar si las visiones digitales pueden tener el mismo poder emocional y simbólico que las reales.
Actuando como guía y creadora, la IA se convierte en una fuerza mágica, visualizando momentos que a menudo perseguimos con la esperanza de una transformación. ¿Se puede conjurar la suerte a través de imágenes? Lucky Images invita al espectador a decidir.
BIOGRAFÍA
Vive y trabaja en Madrid, España.
Videoartista, cineasta y profesora adjunta de Videoarte en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nebrija, Madrid, desde 2017 hasta la actualidad.
Representada por la Galería Luis Adelantado Valencia.
Ana Esteve Reig (Agres, España, 1986) estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. En 2008 se trasladó a Kassel, Alemania, donde estudió Freie Kunst en la Kunsthochschule Kassel, completando un año de posgrado como Meisterschülerin bajo la tutela del artista y profesor Bjørn Melhus. Desde entonces, se ha centrado en el vídeo como su principal medio artístico. Actualmente vive y trabaja en Madrid, España.
Su trabajo ha sido reconocido con la Beca Multiverso de Creación de Vídeoarte del BBVA y ha recibido el apoyo del Ministerio de Cultura y Deporte y de la Comunidad de Madrid. Fue finalista del Premio BMW 2023 y recientemente ha realizado una exposición individual en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Su obra ha sido expuesta en importantes instituciones como el IVAM Alcoi, el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) y el Espai d'Art Contemporani de Castelló (EACC), entre otras. También forma parte de importantes colecciones como las del Museo Reina Sofía, IVAM y el CA2M.
Luminia es una pieza de videoarte que emerge como un poema visual, un espacio donde lo humano y lo artificial dialogan para explorar el renacimiento de un mundo nuevo surgido de las cenizas. La obra se adentra en un paisaje postapocalíptico donde las mujeres, protagonistas del relato, emprenden un viaje de transformación que atraviesa lo sombrío y lo luminoso, lo ancestral y lo germinal.
En un mundo donde la humanidad una vez se perdió en sus propios excesos, la tecnología aparece ahora como una fuerza que sostiene la continuidad de la vida y contribuye al renacimiento, no como un reemplazo de lo humano, sino como su extensión y resguardo.
La narrativa se despliega en seis secuencias guiadas por diosas que encarnan distintas facetas del poder femenino:desde Tetis, titánide de las aguas que remite al origen y a la gestación, donde el agua sostiene el comienzo; Anahita, donde la fertilidad se reabre y la regeneración toma pulso; Artemisa, donde los lobos —guardianes de un equilibrio perdido— acompañan el tránsito; Gaia, donde los cuerpos se funden en raíces y tierra y se disuelven las fronteras entre lo humano y lo natural; Hécate, donde el fuego convoca el ritual de purificación y sororidad y abre paso a la creación compartida; hasta Eos, diosa del amanecer, donde la gestación anuncia la claridad de un futuro renovado.
La inteligencia artificial interviene en la pieza como herramienta creativa para generar imágenes y voz en off. Lejos de buscar perfección, sus fragmentaciones y errores se integran en el proceso humano, subrayando la tensión y el diálogo entre lo tecnológico y lo poético.
Luminia explora así nuevas narrativas donde lo individual se diluye en lo colectivo y la esperanza germina en el horizonte.
BIOGRAFÍA
Denica Veselinova (Bulgaria, 1983) es artista visual radicada en Madrid. Su práctica explora las relaciones entre memoria, identidad y lenguaje, en diálogo con la tecnología, con especial atención a la inteligencia artificial y sus implicaciones estéticas y culturales. Trabaja con instalación, vídeo, dibujo e interactividad, hibridando técnicas tradicionales y medios digitales.
Es docente e investigadora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, donde desarrolla una tesis doctoral sobre inteligencia artificial y arte contemporáneo. Su trabajo combina reflexión crítica y experimentación visual para imaginar otros modos posibles de crear y habitar imágenes.
Ha presentado obra en Palacio Los Serrano (Ávila), Museo Francisco Sobrino, Sala Arte Joven (Madrid), LABoral (Gijón), CentroCentro (Madrid), Set Espai d’Art (Valencia) o Fundación Antonio Pérez (Cuenca), así como en festivales internacionales como DAFT (Taipéi) o Miden (Grecia). Entre sus reconocimientos figuran el premio Circuitos de Artes Plásticas (Comunidad de Madrid), o el galardón Videoartista más prometedora (MADATAC) por Ensoñación Líquida. Además, imparte talleres y conferencias sobre creatividad asistida por IA y participa en proyectos interdisciplinares entre arte, ciencia y educación.
En sus proyectos recientes, la artista explora la dimensión simbólica y poética de lo híbrido para pensar futuros compartidos.
Serie de autorretratos elaborados con un modelo de inteligencia artificial generativa capaz de crear imágenes a partir de descripciones de texto. La mera descripción de los artistas genera infinitos retratos de personas que podrían ser Clara Boj y Diego Díaz.
El prompt textual utilizado para generar las imágenes ha sido siempre el mismo, concretamente: “genera un selfie de una pareja de artistas de España que han estado trabajando juntos desde el año 2000 y tienen alrededor de 50 años. Al fondo se puede ver una de sus obras de arte que reflexiona sobre el Big Data en la era de la Inteligencia Artificial y la sociedad de la información. El estilo es fotorrealista y muestra la complicidad de la pareja y su pasión por la experimentación”.
Un análisis visual de los resultados revela un evidente sesgo algorítmico que reproduce estereotipos sociales de clase, género y raza. Muestras solamente parejas heterosexuales blancas y excluye otras representaciones más diversas, de parejas homosexuales o artistas racializados. También se observa una apariencia uniforme con vestimentas oscuras, predomino de gafas, etc...contribuyendo a los tópicos estéticos de los artistas del arte de los nuevos medios.
BIOGRAFÍA
Clara Boj (Universitat Politècnica de València) y Diego Díaz (Universitat Jaume I de Castelló) desarrollan su trabajo artístico en colaboración desde el año 2000.
Sus proyectos proponen nuevos dispositivos que indagan en las relaciones del ser humano con las tecnologías digitales. Han mostrado su trabajo en centros de arte de reconocido prestigio como el Singapore Art Museum, Kiasma Museum (Helsinki), Daejeon Museum of Art (Corea del Sur), Kumu Art Museum (Tallin), ZKM (Karlsruhe), Ars Electroncia (Linz), Trasmediale (Berlín), File (Rio de Janeiro), La Laboral Centro de Arte y Creación Industrial (Gijón), La Casa Encendida (Madrid), Ars Santa Mónica (Barcelona), Els Baluard (Palma de Mallorca) y Sonar (Barcelona), etc..
Han disfrutado de residencias de creación e investigación en el Game AI Research Group en la Queen Mary University de Londres, Hangar en Barcelona, Interface Culture Lab en Linz , Symbiotic System Lab en Kyoto y el Interaction and Entertainment Research Center en Singapur.
Entre otras distinticiones han sido galardonados con la Beca Leonardo para Investigadores y Creadores culturales de la Fundación BBVA, las ayudas Componer Saberes de la Fundación Daniel y Nina Carasso, la beca de investigación Alfons Roig de la Diputación de Valencia y las ayudas a la producción de la competición internacional Vida. Arte y Vida Artificial.
Mujer por defecto es una obra visual que explora los imaginarios normativos incrustados en los sistemas de inteligencia artificial generativa de imágenes. A partir del análisis de prompts utilizados por usuarios en plataformas como Midjourney —comandos simples como “beautiful woman”—, esta serie visibiliza cómo los algoritmos replican un cuerpo femenino estandarizado: joven, blanco, delgado, hipersexualizado y profundamente alineado con cánones occidentales y patriarcales.
La propuesta parte de imágenes generadas automáticamente por IA y las interviene digitalmente mediante una técnica de distorsión escenográfica que las deforma desde sus extremos hasta pixelarlas por completo, dejando visible únicamente una franja central donde permanece nítido un solo ojo.
Este fragmento actúa como resto visual, como punto de vigilancia o como posible resistencia. Encima de cada imagen se sitúa el prompt original, remarcando cómo en la era de la IA las imágenes ya no son producto de la mirada, sino del lenguaje: frases que ordenan, dictan y reifican cuerpos.
Mujer por defecto cuestiona así la aparente neutralidad tecnológica y propone una crítica feminista interseccional al papel de la IA en la construcción de identidades. Aborda debates urgentes sobre la autoría, la reproductibilidad, la memoria visual colectiva y los sesgos algorítmicos en los procesos creativos.
Desde la colectiva FEMIAS, esta obra se enmarca en una línea de investigación artística que cruza arte, género y tecnología, poniendo en diálogo metodologías críticas con herramientas digitales para proponer otros modos de mirar, enseñar e investigar en la era postfotográfica.
BIOGRAFÍA
FEMIAS es una colectiva de investigación-creación que explora los cruces entre inteligencia artificial, imagen, género y representación desde una perspectiva crítica y feminista interseccional. Nace en 2023 como espacio de colaboración entre investigadoras, artistas y docentes vinculadas a universidades y centros culturales del Estado español. Su trabajo se articula en torno a la producción artística, la pedagogía crítica, el pensamiento situado y la acción colectiva.
Entre sus líneas principales de trabajo se encuentran el análisis de sesgos en modelos de IA generativa (como Stable Diffusion o Midjourney), la creación de herramientas inclusivas para la producción de imágenes, la visualización crítica de datos y la elaboración de propuestas pedagógicas para espacios educativos y culturales.
Han desarrollado proyectos como EMIAK, una herramienta web para analizar imágenes desde una perspectiva feminista, y la serie Mujer por defecto, expuesta en BAFFEST 2025. FEMIAS colabora activamente con universidades, festivales de arte y entidades como Emakunde o EUNEIZ, y participa en programas de investigación sobre IA y cultura visual.
Su enfoque combina prácticas artísticas contemporáneas con pensamiento crítico y tecnofeminista, apostando por generar otras formas de conocimiento, representación y resistencia en un contexto cada vez más mediado por algoritmos.
Luminia es una pieza de videoarte que emerge como un poema visual, un espacio donde lo humano y lo artificial dialogan para explorar el renacimiento de un mundo nuevo surgido de las cenizas. La obra se adentra en un paisaje postapocalíptico donde las mujeres, protagonistas del relato, emprenden un viaje de transformación que atraviesa lo sombrío y lo luminoso, lo ancestral y lo germinal.
En un mundo donde la humanidad una vez se perdió en sus propios excesos, la tecnología aparece ahora como una fuerza que sostiene la continuidad de la vida y contribuye al renacimiento, no como un reemplazo de lo humano, sino como su extensión y resguardo.
La narrativa se despliega en seis secuencias guiadas por diosas que encarnan distintas facetas del poder femenino:desde Tetis, titánide de las aguas que remite al origen y a la gestación, donde el agua sostiene el comienzo; Anahita, donde la fertilidad se reabre y la regeneración toma pulso; Artemisa, donde los lobos —guardianes de un equilibrio perdido— acompañan el tránsito; Gaia, donde los cuerpos se funden en raíces y tierra y se disuelven las fronteras entre lo humano y lo natural; Hécate, donde el fuego convoca el ritual de purificación y sororidad y abre paso a la creación compartida; hasta Eos, diosa del amanecer, donde la gestación anuncia la claridad de un futuro renovado.
La inteligencia artificial interviene en la pieza como herramienta creativa para generar imágenes y voz en off. Lejos de buscar perfección, sus fragmentaciones y errores se integran en el proceso humano, subrayando la tensión y el diálogo entre lo tecnológico y lo poético.
Luminia explora así nuevas narrativas donde lo individual se diluye en lo colectivo y la esperanza germina en el horizonte.
BIOGRAFÍA
Denica Veselinova (Bulgaria, 1983) es artista visual radicada en Madrid. Su práctica explora las relaciones entre memoria, identidad y lenguaje, en diálogo con la tecnología, con especial atención a la inteligencia artificial y sus implicaciones estéticas y culturales. Trabaja con instalación, vídeo, dibujo e interactividad, hibridando técnicas tradicionales y medios digitales.
Es docente e investigadora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, donde desarrolla una tesis doctoral sobre inteligencia artificial y arte contemporáneo. Su trabajo combina reflexión crítica y experimentación visual para imaginar otros modos posibles de crear y habitar imágenes.
Ha presentado obra en Palacio Los Serrano (Ávila), Museo Francisco Sobrino, Sala Arte Joven (Madrid), LABoral (Gijón), CentroCentro (Madrid), Set Espai d’Art (Valencia) o Fundación Antonio Pérez (Cuenca), así como en festivales internacionales como DAFT (Taipéi) o Miden (Grecia). Entre sus reconocimientos figuran el premio Circuitos de Artes Plásticas (Comunidad de Madrid), o el galardón Videoartista más prometedora (MADATAC) por Ensoñación Líquida. Además, imparte talleres y conferencias sobre creatividad asistida por IA y participa en proyectos interdisciplinares entre arte, ciencia y educación.
En sus proyectos recientes, la artista explora la dimensión simbólica y poética de lo híbrido para pensar futuros compartidos.
Serie de autorretratos elaborados con un modelo de inteligencia artificial generativa capaz de crear imágenes a partir de descripciones de texto. La mera descripción de los artistas genera infinitos retratos de personas que podrían ser Clara Boj y Diego Díaz.
El prompt textual utilizado para generar las imágenes ha sido siempre el mismo, concretamente: “genera un selfie de una pareja de artistas de España que han estado trabajando juntos desde el año 2000 y tienen alrededor de 50 años. Al fondo se puede ver una de sus obras de arte que reflexiona sobre el Big Data en la era de la Inteligencia Artificial y la sociedad de la información. El estilo es fotorrealista y muestra la complicidad de la pareja y su pasión por la experimentación”.
Un análisis visual de los resultados revela un evidente sesgo algorítmico que reproduce estereotipos sociales de clase, género y raza. Muestras solamente parejas heterosexuales blancas y excluye otras representaciones más diversas, de parejas homosexuales o artistas racializados. También se observa una apariencia uniforme con vestimentas oscuras, predomino de gafas, etc...contribuyendo a los tópicos estéticos de los artistas del arte de los nuevos medios.
BIOGRAFÍA
Clara Boj (Universitat Politècnica de València) y Diego Díaz (Universitat Jaume I de Castelló) desarrollan su trabajo artístico en colaboración desde el año 2000.
Sus proyectos proponen nuevos dispositivos que indagan en las relaciones del ser humano con las tecnologías digitales. Han mostrado su trabajo en centros de arte de reconocido prestigio como el Singapore Art Museum, Kiasma Museum (Helsinki), Daejeon Museum of Art (Corea del Sur), Kumu Art Museum (Tallin), ZKM (Karlsruhe), Ars Electroncia (Linz), Trasmediale (Berlín), File (Rio de Janeiro), La Laboral Centro de Arte y Creación Industrial (Gijón), La Casa Encendida (Madrid), Ars Santa Mónica (Barcelona), Els Baluard (Palma de Mallorca) y Sonar (Barcelona), etc..
Han disfrutado de residencias de creación e investigación en el Game AI Research Group en la Queen Mary University de Londres, Hangar en Barcelona, Interface Culture Lab en Linz , Symbiotic System Lab en Kyoto y el Interaction and Entertainment Research Center en Singapur.
Entre otras distinticiones han sido galardonados con la Beca Leonardo para Investigadores y Creadores culturales de la Fundación BBVA, las ayudas Componer Saberes de la Fundación Daniel y Nina Carasso, la beca de investigación Alfons Roig de la Diputación de Valencia y las ayudas a la producción de la competición internacional Vida. Arte y Vida Artificial.
Mujer por defecto es una obra visual que explora los imaginarios normativos incrustados en los sistemas de inteligencia artificial generativa de imágenes. A partir del análisis de prompts utilizados por usuarios en plataformas como Midjourney —comandos simples como “beautiful woman”—, esta serie visibiliza cómo los algoritmos replican un cuerpo femenino estandarizado: joven, blanco, delgado, hipersexualizado y profundamente alineado con cánones occidentales y patriarcales.
La propuesta parte de imágenes generadas automáticamente por IA y las interviene digitalmente mediante una técnica de distorsión escenográfica que las deforma desde sus extremos hasta pixelarlas por completo, dejando visible únicamente una franja central donde permanece nítido un solo ojo.
Este fragmento actúa como resto visual, como punto de vigilancia o como posible resistencia. Encima de cada imagen se sitúa el prompt original, remarcando cómo en la era de la IA las imágenes ya no son producto de la mirada, sino del lenguaje: frases que ordenan, dictan y reifican cuerpos.
Mujer por defecto cuestiona así la aparente neutralidad tecnológica y propone una crítica feminista interseccional al papel de la IA en la construcción de identidades. Aborda debates urgentes sobre la autoría, la reproductibilidad, la memoria visual colectiva y los sesgos algorítmicos en los procesos creativos.
Desde la colectiva FEMIAS, esta obra se enmarca en una línea de investigación artística que cruza arte, género y tecnología, poniendo en diálogo metodologías críticas con herramientas digitales para proponer otros modos de mirar, enseñar e investigar en la era postfotográfica.
BIOGRAFÍA
FEMIAS es una colectiva de investigación-creación que explora los cruces entre inteligencia artificial, imagen, género y representación desde una perspectiva crítica y feminista interseccional. Nace en 2023 como espacio de colaboración entre investigadoras, artistas y docentes vinculadas a universidades y centros culturales del Estado español. Su trabajo se articula en torno a la producción artística, la pedagogía crítica, el pensamiento situado y la acción colectiva.
Entre sus líneas principales de trabajo se encuentran el análisis de sesgos en modelos de IA generativa (como Stable Diffusion o Midjourney), la creación de herramientas inclusivas para la producción de imágenes, la visualización crítica de datos y la elaboración de propuestas pedagógicas para espacios educativos y culturales.
Han desarrollado proyectos como EMIAK, una herramienta web para analizar imágenes desde una perspectiva feminista, y la serie Mujer por defecto, expuesta en BAFFEST 2025. FEMIAS colabora activamente con universidades, festivales de arte y entidades como Emakunde o EUNEIZ, y participa en programas de investigación sobre IA y cultura visual.
Su enfoque combina prácticas artísticas contemporáneas con pensamiento crítico y tecnofeminista, apostando por generar otras formas de conocimiento, representación y resistencia en un contexto cada vez más mediado por algoritmos.